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毕加索:艺术创作的意义是什么?


作者:佚名       来源于:中华书画网

毕加索:艺术创作的意义是什么?

 

当听了梵高的生平之后,很多人都不愿再做画家了,因为梵高太苦了。每当讲到毕加索时,人们会感觉精神振奋,因为毕加索太辉煌了。毕加索辉煌的原因,与其说毕加索比其他艺术家更幸运,不如说他在艺术创作上更能探索、创新。那么,艺术创作的意义是什么呢?

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当毕加索90岁高龄的时候,每当他拿起画笔,去画一幅新作的时候,他面对物像,好像还是第一次看到,总是感觉那么新奇。伴随着一种新鲜好奇的不断探索,融惯了他整整一生,才使得他的艺术生命能够永葆常青。
法国一家报纸进行过一次民意调查,毕加索以40%的高票当选为,20世纪最伟大的十个画家之首,这也许是对他一生在艺术上的不断探索,追求艺术不断嬗变的脚步永不驻足的极大肯定。

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毕加索的辉煌来自于探索,探索又来自于嬗变。
从以下这个例子,可以感受一下他在绘画中是怎样探索、创新、嬗变的。我们看他的《公牛》系列。

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有一次他画了一头公牛,用笔比较轻松,造型基本是写实的。他画的这个公牛和我们看到的真实的公牛是比较接近的。
但是它并不满足,他还要画第2幅,这次画得更写实了,体积也变得更加厚重了。

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第2幅
继续画,第3幅又出来了,继续以新的理解方式去探索,强化了骨骼、肌肉和身体的结构,使公牛的身体具有了很强的雕塑感。

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第3幅
到了第4幅,他从体块的理解的角度,把公牛的身体分解了,分解成一个一个的体块了。

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第4幅
第5幅,在分解体块的基础上开始变形,公牛身体的形状开始变化了,牛的头部画得那么小,而整个身体的外形概括成了几何形状。

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第5幅
第6幅,牛头完全成了几何形状,更加抽象化了,身体也放弃了立体的造型成为了平面。

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第6幅
第7幅,很明显采用了减法,更加简约了,四条腿合并成了两条腿,简化后的公牛,离那个真实的公牛的造型越来越远。

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第7幅
第8幅,在局部做了一些新的调整,腿变回四条了,头又增加了五官的内容。

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第8幅
第9幅更加简约了,没有了任何的黑块和明暗,纯粹采用了线描的方式。

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第9幅
第10幅,还在继续简化,几乎成了一个简单的图形。

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第10幅
到最后一幅,只剩下寥寥几根线了。这幅仅仅保留了一些能够说明公牛的符号。

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从第1幅到第11幅,毕加索对公牛的形体,进行了多次变换,如果没看到前面的,只看最后一幅的话,是无法想象他前面多次变化中的用心和用意,也不能深刻理解,最后这一幅几笔简单的线条所体现出的,对公牛形与神的高度凝练。
从这个例子可以感觉到,毕加索并不是要画一个真实的公牛,他是想通过对一个物像的分析理解,去完成自己所追求的嬗变的过程和结果。

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他还有一个特点,别人认为是终点的地方,他却把他作为起点。
他对德拉克罗瓦的《阿尔及利亚女人》产生了浓厚兴趣,在4个月时间里,连续创作了十几幅《阿尔及利亚女人》的变体画。

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据说在毕加索的年代,他心目中能够承认的,唯一能跟他竞争的对手画家是马蒂斯。他对马蒂斯在野兽派时期的那种自由狂放的表现,他真是有些羡慕嫉妒恨。

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《阿尔及利亚女人》变体系列最后一个版本
在最后这个版本里,毕加索很巧妙地把所有人物都安顿好了,他可能觉得现在的画面,看上去很舒服了,尤其是这个躺着的女子,比前面那些版本还要完整和谐。
于是我们可以得知,毕加索一系列的变体画中,他是首先自我设定了一个问题,然后就尽可能地探索,能够解决这个问题的各种可能性。当他觉得通过十几幅画,把这个问题得到解决之后,对这个主题的研究就已经完成了。但他绝不会停步,他会以更加饱满的热情去寻觅另一个主题,继续探索新的艺术创造和变化。

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毕加索一生创作了数万张版画和素描作品,题材内容丰富,风格多样。有人形容他的素描:他握笔的手在画纸上挥洒,得心应手,自由自在,像是小鸟飞舞一样随心所欲。
这些看上去似乎是涂鸦的作品,却涵盖了新古典主义安格尔、现代主义之父塞尚、同时代的马蒂斯、非洲艺术、东方艺术等丰厚的元素。

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有人说,20世纪正是属于毕加索的世纪。他在这个多变的世纪之始,从西班牙来到巴黎,开始了他一生辉煌艺术的发现之旅。
他的艺术经历了早年的“蓝色时代”和“红色时代”。随后,他与布拉克创立了立体派。
他的艺术创作花样繁多,或激昂或狂躁,或可亲或可憎,变化无常,不可捉摸。

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《亚威农少女》,这是一幅与以往艺术方法彻底决裂的立体主义作品,展现亚威农大街上尖利、凶悍的妓女,栖息在一个破碎的世界中。这就像是毕加索扔出的一块石头,将传统具象派艺术的镜面倒影击碎成一千个碎片。
有评论说,这些形象使人观后产生作呕感,因此,当时这幅画刚刚一露面,就被认为是艺术史上,最粗暴的女性形象,但是绝对没有人怀疑,这幅作品本身是具有革命性和颠覆性的。
毕加索对于过去从文艺复兴以来“美是和谐”的这个概念进行了勇敢的颠覆。女人的优点,顺从、温柔,在这幅画里被剥夺了,画里没有了规范的透视,也没有规范的比例,没有了美好的艺术形象,也没有了理想化的视觉感。正是因为画家对于艺术的表达的认识改变了,所以,他笔下的造型、色彩等艺术表达形式同时也变换了。即画家的意识、认知变了,他的造型、色彩也跟着变了。

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《格尔尼卡》,反映的是格尔尼卡小镇上法西斯对平民进行屠杀的惨状。作品是由符号化的形象来组成的,二个动物和六个人物。当时有不少人想破译毕加索密码般的图像,还有人希望他公开解释一下,到底作品表现的内容是什么意思,但被他拒绝了。他说:这是艺术品,如果你希望一目了然的话,那不如我给你个政治宣言好了。
私下里,他也曾经解释过此画图像的象征含义:公牛象征着残暴,受伤的马就象征着受难的西班牙,闪亮的灯光,象征着光明与希望。

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《拿烟斗的男孩》,有评论家说,这个男孩兼有达芬奇《蒙娜丽莎》的神秘,和梵高《加歇尔医生》的忧郁。
不仅仅毕加索的作品有故事,他本人也有很多很多故事,他与诸多女人的情感纠葛,跟他的艺术灵感、艺术风格的变化,都有着密切的关系。
在他的笔下,经常会有这样一种情况,他在对艺术形式进行探索,追求绘画风格转变的时候,他所描绘的女人的面容也会跟着产生变化。

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《玛丽像》
还有一种情况,他所描绘的女人形象,是以他眼中对这些女性产生的变化而变化的。在他诸多女子肖像中,画得最美的就是玛丽,因为在他眼里,玛丽实在是太甜了,有一种能够激发温柔的甜美,所以,他就把她画得也非常甜美。

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毕加索的大部分作品,丝毫不掩饰的表达了他对女性的极大兴趣,他画了很多女人,有人说,他是在希腊爱神厄洛斯的阳光下,和死神塔那托斯的阴影下,走完了自己的人生道路。
他画得甜美的时候,就是当女人无比美妙吸引他的时候,他会用画笔,激情地把女性的可爱、热情、温柔甜美等等,在画布上一一展现,他本人也会尽情享受这些女人身上散发出来的爱和阳光。这就是爱神厄洛斯的阳光。

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在他的生活中,并不都是顺心美好的,当女人不尽如意,有时会哭泣,有时会凶暴的时候,他就会感到非常恐惧,厌烦自己,眼前就出现了阴霾,因此,他笔下的女人就变了,变成了畸形的,面部扭曲的,像是被他用鞭子抽打过或用画笔戳过一样的。

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如果我们对毕加索的生活和创作经历,再有一些进一步的研究的话,我们可以轻易从他笔下的女人肖像中,清晰窥见画家对这些女性,什么时候是激情似火,什么时候是冷若冰霜,什么时候是恋情在逐渐升温,什么时候是爱意由浓转淡。

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毕加索几乎是工作到了在世的最后一天,他的一切都留在世上了,他的精神透过作品与我们同在,你可以说他永垂不朽。
创作的意义在于,在世上留下自己包括精神和思想在内的痕迹。我们达不到大师的高度,但可以做些力所能及的事,哪怕是一幅涂鸦、一篇小文、一首小诗、一段倾心的影像或音乐。我们不奢望像大师那样永垂不朽,但可以给自己牵挂的人留下值得怀念的印迹。




作品欣赏

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