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毕加索：艺术创作的意义是什么？

作者：佚名来源于：中华书画网

毕加索：艺术创作的意义是什么？

当听了梵高的生平之后，很多人都不愿再做画家了，因为梵高太苦了。每当讲到毕加索时，人们会感觉精神振奋，因为毕加索太辉煌了。毕加索辉煌的原因，与其说毕加索比其他艺术家更幸运，不如说他在艺术创作上更能探索、创新。那么，艺术创作的意义是什么呢？

当毕加索90岁高龄的时候，每当他拿起画笔，去画一幅新作的时候，他面对物像，好像还是第一次看到，总是感觉那么新奇。伴随着一种新鲜好奇的不断探索，融惯了他整整一生，才使得他的艺术生命能够永葆常青。
法国一家报纸进行过一次民意调查，毕加索以40%的高票当选为，20世纪最伟大的十个画家之首，这也许是对他一生在艺术上的不断探索，追求艺术不断嬗变的脚步永不驻足的极大肯定。

毕加索的辉煌来自于探索，探索又来自于嬗变。
从以下这个例子，可以感受一下他在绘画中是怎样探索、创新、嬗变的。我们看他的《公牛》系列。

有一次他画了一头公牛，用笔比较轻松，造型基本是写实的。他画的这个公牛和我们看到的真实的公牛是比较接近的。
但是它并不满足，他还要画第2幅，这次画得更写实了，体积也变得更加厚重了。

第2幅
继续画，第3幅又出来了，继续以新的理解方式去探索，强化了骨骼、肌肉和身体的结构，使公牛的身体具有了很强的雕塑感。

第3幅
到了第4幅，他从体块的理解的角度，把公牛的身体分解了，分解成一个一个的体块了。

第4幅
第5幅，在分解体块的基础上开始变形，公牛身体的形状开始变化了，牛的头部画得那么小，而整个身体的外形概括成了几何形状。

第5幅
第6幅，牛头完全成了几何形状，更加抽象化了，身体也放弃了立体的造型成为了平面。

第6幅
第7幅，很明显采用了减法，更加简约了，四条腿合并成了两条腿，简化后的公牛，离那个真实的公牛的造型越来越远。

第7幅
第8幅，在局部做了一些新的调整，腿变回四条了，头又增加了五官的内容。

第8幅
第9幅更加简约了，没有了任何的黑块和明暗，纯粹采用了线描的方式。

第9幅
第10幅，还在继续简化，几乎成了一个简单的图形。

第10幅
到最后一幅，只剩下寥寥几根线了。这幅仅仅保留了一些能够说明公牛的符号。

从第1幅到第11幅，毕加索对公牛的形体，进行了多次变换，如果没看到前面的，只看最后一幅的话，是无法想象他前面多次变化中的用心和用意，也不能深刻理解，最后这一幅几笔简单的线条所体现出的，对公牛形与神的高度凝练。
从这个例子可以感觉到，毕加索并不是要画一个真实的公牛，他是想通过对一个物像的分析理解，去完成自己所追求的嬗变的过程和结果。

他还有一个特点，别人认为是终点的地方，他却把他作为起点。
他对德拉克罗瓦的《阿尔及利亚女人》产生了浓厚兴趣，在4个月时间里，连续创作了十几幅《阿尔及利亚女人》的变体画。

据说在毕加索的年代，他心目中能够承认的，唯一能跟他竞争的对手画家是马蒂斯。他对马蒂斯在野兽派时期的那种自由狂放的表现，他真是有些羡慕嫉妒恨。

《阿尔及利亚女人》变体系列最后一个版本
在最后这个版本里，毕加索很巧妙地把所有人物都安顿好了，他可能觉得现在的画面，看上去很舒服了，尤其是这个躺着的女子，比前面那些版本还要完整和谐。
于是我们可以得知，毕加索一系列的变体画中，他是首先自我设定了一个问题，然后就尽可能地探索，能够解决这个问题的各种可能性。当他觉得通过十几幅画，把这个问题得到解决之后，对这个主题的研究就已经完成了。但他绝不会停步，他会以更加饱满的热情去寻觅另一个主题，继续探索新的艺术创造和变化。

毕加索一生创作了数万张版画和素描作品，题材内容丰富，风格多样。有人形容他的素描：他握笔的手在画纸上挥洒，得心应手，自由自在，像是小鸟飞舞一样随心所欲。
这些看上去似乎是涂鸦的作品，却涵盖了新古典主义安格尔、现代主义之父塞尚、同时代的马蒂斯、非洲艺术、东方艺术等丰厚的元素。

有人说，20世纪正是属于毕加索的世纪。他在这个多变的世纪之始，从西班牙来到巴黎，开始了他一生辉煌艺术的发现之旅。
他的艺术经历了早年的“蓝色时代”和“红色时代”。随后，他与布拉克创立了立体派。
他的艺术创作花样繁多，或激昂或狂躁，或可亲或可憎，变化无常，不可捉摸。

《亚威农少女》，这是一幅与以往艺术方法彻底决裂的立体主义作品，展现亚威农大街上尖利、凶悍的妓女，栖息在一个破碎的世界中。这就像是毕加索扔出的一块石头，将传统具象派艺术的镜面倒影击碎成一千个碎片。
有评论说，这些形象使人观后产生作呕感，因此，当时这幅画刚刚一露面，就被认为是艺术史上，最粗暴的女性形象，但是绝对没有人怀疑，这幅作品本身是具有革命性和颠覆性的。
毕加索对于过去从文艺复兴以来“美是和谐”的这个概念进行了勇敢的颠覆。女人的优点，顺从、温柔，在这幅画里被剥夺了，画里没有了规范的透视，也没有规范的比例，没有了美好的艺术形象，也没有了理想化的视觉感。正是因为画家对于艺术的表达的认识改变了，所以，他笔下的造型、色彩等艺术表达形式同时也变换了。即画家的意识、认知变了，他的造型、色彩也跟着变了。

《格尔尼卡》，反映的是格尔尼卡小镇上法西斯对平民进行屠杀的惨状。作品是由符号化的形象来组成的，二个动物和六个人物。当时有不少人想破译毕加索密码般的图像，还有人希望他公开解释一下，到底作品表现的内容是什么意思，但被他拒绝了。他说：这是艺术品，如果你希望一目了然的话，那不如我给你个政治宣言好了。
私下里，他也曾经解释过此画图像的象征含义：公牛象征着残暴，受伤的马就象征着受难的西班牙，闪亮的灯光，象征着光明与希望。

《拿烟斗的男孩》，有评论家说，这个男孩兼有达芬奇《蒙娜丽莎》的神秘，和梵高《加歇尔医生》的忧郁。
不仅仅毕加索的作品有故事，他本人也有很多很多故事，他与诸多女人的情感纠葛，跟他的艺术灵感、艺术风格的变化，都有着密切的关系。
在他的笔下，经常会有这样一种情况，他在对艺术形式进行探索，追求绘画风格转变的时候，他所描绘的女人的面容也会跟着产生变化。

《玛丽像》
还有一种情况，他所描绘的女人形象，是以他眼中对这些女性产生的变化而变化的。在他诸多女子肖像中，画得最美的就是玛丽，因为在他眼里，玛丽实在是太甜了，有一种能够激发温柔的甜美，所以，他就把她画得也非常甜美。

毕加索的大部分作品，丝毫不掩饰的表达了他对女性的极大兴趣，他画了很多女人，有人说，他是在希腊爱神厄洛斯的阳光下，和死神塔那托斯的阴影下，走完了自己的人生道路。
他画得甜美的时候，就是当女人无比美妙吸引他的时候，他会用画笔，激情地把女性的可爱、热情、温柔甜美等等，在画布上一一展现，他本人也会尽情享受这些女人身上散发出来的爱和阳光。这就是爱神厄洛斯的阳光。

在他的生活中，并不都是顺心美好的，当女人不尽如意，有时会哭泣，有时会凶暴的时候，他就会感到非常恐惧，厌烦自己，眼前就出现了阴霾，因此，他笔下的女人就变了，变成了畸形的，面部扭曲的，像是被他用鞭子抽打过或用画笔戳过一样的。

如果我们对毕加索的生活和创作经历，再有一些进一步的研究的话，我们可以轻易从他笔下的女人肖像中，清晰窥见画家对这些女性，什么时候是激情似火，什么时候是冷若冰霜，什么时候是恋情在逐渐升温，什么时候是爱意由浓转淡。

毕加索几乎是工作到了在世的最后一天，他的一切都留在世上了，他的精神透过作品与我们同在，你可以说他永垂不朽。
创作的意义在于，在世上留下自己包括精神和思想在内的痕迹。我们达不到大师的高度，但可以做些力所能及的事，哪怕是一幅涂鸦、一篇小文、一首小诗、一段倾心的影像或音乐。我们不奢望像大师那样永垂不朽，但可以给自己牵挂的人留下值得怀念的印迹。

作品欣赏